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色彩评价范文(精选8篇)
色彩评价范文 第一篇
指颜色的冷暖属性。色彩的冷暖感觉是人们在长期生活实践中由于联想而形成的。红、橙、黄色常使人联想起东方旭日和燃烧的火焰，因此有温暖的感觉，所以称为“暖色”；蓝色常使人联想起高空的蓝天、阴影处的冰雪，因此有寒冷的感觉，所以称为“冷色”；黑、白、灰、绿、紫等色给人的感觉是不冷不暖，故称为“中性色”。色彩的冷暖是相对的。在同类色彩中，含暖意成分多的较暖，反之较冷。
因为目前区分色彩一般是按四季色彩理论来分的，就是分春，夏，秋，冬。春和秋都是暖色系的，夏和冬是冷色系。而春和夏都属于不饱和的色彩，秋和冬属于饱和的色彩。
（1）红色 红色的波长最长，穿透力强，感知度高。它易使人联想起太阳、火焰、热血、花卉等，感觉温暖、兴奋、活泼、热情、积极、希望、忠诚、健康、充实、饱满、幸福等向上的倾向，但有时也被认为是幼稚 、原始、暴力、危险、卑俗的象征。红色历来是我国传统的喜庆色彩。
深红及带紫味的红给人感觉是庄严、稳重、而又热情的色彩、常见于欢迎贵宾的场合。含白的高明度粉红色，则有柔美、甜蜜、梦幻、愉快、幸福、温雅的感觉，几乎成为女性的专用色彩。
（2）橙色 橙与红同属暖色，具有红与黄之间的色性，它使人联想起火焰、灯光、霞光、水果等物象，是最温暖、响亮的色彩。感觉活泼、华丽、辉煌、跃动、炽热、温情、甜蜜、愉快、幸福竺，但也有疑惑、嫉妒、伪诈等消极倾向性表情。
含灰的橙成咖啡色，含白的橙成浅橙色，俗称血牙色，与橙色本身都是装中常用的甜美色彩也是众多消费者特别是女妇，儿童，青年喜爱的服装色彩。
（3）黄色 黄色是所有色相中明度紧高的色彩，具有轻快、光辉、透明、活泼、光明、辉煌、希望、功名、健康等印象。但黄色过于明亮而显得刺眼，并且与他色相混即易失去其原貌，故也有轻薄、不稳定、变化无常、冷淡等不良含义。
含白的淡黄色感觉平 和、温柔，含大量淡灰的米色或本白则是很好的休闲自然色，深黄色却另有一种高贵、庄严感。由于黄色极易使人想起许多水果的表皮，因此它能引起富有酸性的食欲感。
黄色还被用作安全色，因为这极易被人发现，如室外作业的工作服。
（4）绿色 在大自然中，除了天空和江河、海洋、绿色所占的面积最大，草、叶植物，几乎到处可见，它象征生命、青春、和平、安详、新鲜等。绿色最适应人眼的注视，有消除疲劳、调节功能。黄绿带给人们春天的气息，颇受儿童及年轻人的欢迎。蓝绿、深绿 是海洋、森林的色彩，有着深远、稳重、沉着、睿智等含义。含灰的绿、如土绿、橄榄绿、咸菜绿、墨绿等色彩，给人以成熟、老练、深沉的感觉，是人们广泛选用及军、警规定的服色。
（5）蓝色 与红、橙色相反，是典型的寒色，表示沉静、冷淡、理智、高深、透明等含义，随着人类对太空事业的不断开发，它又有了象征高科技的强烈现代感。
浅蓝色系明朗而富有青春朝气，为年轻人所钟爱，但也有不够成熟的感觉。深蓝色系沉着、稳定，为中年人普遍喜爱的色彩。其中略带暖味的群青色，充满着动人的深邃魅力，藏青则给人以大度、庄重印象。靛蓝、普蓝因在民间广泛应用，似乎成了民族特 色的象征。当然，蓝色也有其另一面的性格，如刻板、冷漠、悲哀、恐惧等。
（6）紫色 具有神秘、高贵、优美、庄重、奢华行的气质，有时也感孤寂、消极。尤其是较暗或含深灰的紫，易给人以不祥、腐朽、死亡的印象。但含浅灰的红紫或蓝紫色，却有着类似太空、宇宙色彩的幽雅、神秘之时代感、为现代 生活所广泛采用。
（7）黑色 黑色为无色相无纯度之色。往往给人感觉沉静、神秘、严肃、庄重、含蓄，另外，也易让人产生悲哀、恐怖、不祥、沉默、消亡、罪恶等消极印象。尽管如此，黑色的组合适应性却极广，无论什么色彩特别是鲜艳的纯色与其相配。都能取得赏心悦目的良好效果。但是不能大面积使用，否则，不但其魅力大大减弱，相反会产生压抑、阴沉的恐怖感。
（8）白色 白色给人印象中洁净、光明、纯真、清白、朴素、卫生、恬静等。在它的衬托下，其他色彩会显得更鲜丽、更明朗。多用白色还可能产生平淡无味的单调、空 虚之感。
（9）灰色 灰色是中性色，其突出的性格为柔和、细致、平稳、朴素、大方、它不像黑色与白色那样会明显影响其他的色彩。因此，作为背景色彩非常理想。任何色彩都可以和灰色相混合，略有色相感的含灰色能给人以高雅、细腻、含蓄、稳重、精致、文明而有素养的高档感觉。当然滥用灰色也易暴露其乏味、寂寞、忧郁、无激情、无兴趣的一面。
（10）土褐色 含一定灰色的中、低明度各种色彩，如土红、土绿、熟褐、生褐、土黄、咖啡、咸菜、古铜、驼绒、茶褐等色，性格都显得不太强烈，其亲和性易与其他色彩配合，特别是和鲜色相伴，效果更佳。
也使人想起金秋的收获季节，故均有成熟、谦让、丰富、随和之感。
（11）光泽色 除了金、银等贵金属色以外，所有色彩带上光泽后，都有其华美的特色。金色 富丽堂皇，象征荣华富贵，名誉忠诚；银色雅致高贵、象征纯洁、信仰，比金色温和。它们与其他色彩都能配合。几乎达到“万能”的程度。小面积点缀，具有醒目、提神作用，大面积使用则会产生过于眩目负面影响，显得浮华而失去稳重感。如若巧妙使用、装饰得当、不但能起到画龙点晴作用，还可产生强烈的高科技现代美感。
色彩评价范文 第二篇
水彩画就其本身而言，具有两个基本特性：
1、画面大多具有通透的视觉感觉。
2、绘画过程中水的流动性。
水彩画就其本身而言，具有两个基本特征：一是画面大多具有通透的视觉感觉；二是绘画过程中水的流动性。
由此造成了水彩画不同于其他画种的外表风貌和创作技法的区别。
颜料的透明性使水彩画产生一种明澈的表面效果，而水的流动性会生成淋漓酣畅、自然洒脱的意趣。
水彩画是以水为媒介，调和颜料进行作画的一个世界性画种。
既包括使用透明技法的水彩画，也包括不透明水彩画。
由于色彩透明，一层颜色覆盖另一层可以产生特殊的效果，但调和颜色过多或覆盖过多会使色彩肮脏，水干燥的快，适合绘制风景等清新明快的小幅画作，但对人物等题材也有深入的尝试和探索。
水彩颜料携带方便，也可作为速写搜集素材用。
与其他绘画比较起来，水彩画相当注重表现技法。
其画法通常分“干画法”和“湿画法”两种。
扩展资料：水彩画题材选择水彩画在题材选择方面是十分广泛的，风景画是水彩画家们非常青睐的一种题材，大自然为我们呈现出无比丰富而生动的色彩，无论是温暖绚丽的阳光还是深沉辽阔的海洋，无论是明媚斑斓的花木还是清冷阴霾的云朵，无不唤起艺术家内心的色彩冲动和表现欲望。
钟情于大自然的画家永远不知疲倦的通过风景画来表达他们的色彩世界。
静物也是水彩画中常见的题材，静物种类繁多，形式多样，色彩丰富，艺术家可以根据自己的意图有意安排所需要的内容和构图，从而创作出意味深长的静物画作品。
相比之下人物画对画家的技法熟练程度要求比较高，首先要具有很好的人物画素描基础，同时还需具备丰富的水彩画经验，因此人物题材不是初学者的最好选择。
有许多现当代的水彩画家选择了抽象的形式来表达他们的艺术理念，创作出了大量的优秀作品。
当绘画摆脱了可视外观形象的束缚以后，它那明澈自由流畅的材料特征在抽象表现中获得了更自由的发挥。
建筑题材的水彩画历史悠久，出于职业性的审美爱好和需要，它们更受到建筑师们的青睐。
当然也是许许多多水彩画爱好者所热衷的题材。
优秀的建筑本身就是精美的艺术，它不仅以其尺度、比例、色彩、装饰以及变幻的光影效果等形象因素引起人们感观上的审美体验，而且通过形象传达着某种精神内涵。
参考资料来源：百度百科—水彩画
色彩评价范文 第三篇
西方关于绘画艺术的理论大致奠基于柏拉图，亚里士多德时期，但真正成气候，并且与实践广泛结合却是在文艺复兴时期。
后人在研究文艺复兴时期绘画时都注意到这样一个现象：从马萨乔开始，到达芬奇、拉斐尔等，诸多大师巨匠们实际都是在身体力行地诠释着亚里士多德的美学思想—和谐。
在亚里士多德的理论中，和谐是一个极为重要的基点。
文艺复兴时期的绘画大师们正是从造型艺术和色彩艺术两个方面着力实践并努力使之细化。
因为和谐本身就是这些人文主义者的理想。
如果撇开绘画的内涵去看文艺复兴时期绘画，我们会发现这一时期绘画的两大特点：一是造型布局严谨科学，二是色彩柔软均衡雅丽。
因为这一时期的色彩理论强调在绘画的构图中，全部色彩都必须是相互关联的，而且要能够在一个统一的整体中配合起来。
达芬奇就明确指出：大面积的地方应该采用柔和的色彩，比较艳丽的高浓度的色彩只适合在小块的地方一点点地使用。
而且他还强调：要使两种或两种以上的色彩协调，必须使它们在主要方面相互均衡。
可以说，达芬奇的这些论述，几乎概括了当时色彩理论的基本精神。
这些理论在今天看来仍有很强的学术指导意义。
它看似简单通俗，但几百年来，真正能够悟其精义，而又运用自如的艺术家却少之又少。
因为刻意追求色彩平衡的后果，往往就是使色彩失去了鲜明的个性，反而造成了绘画的平庸。
所以后世有评论家认为，文艺复兴时期的画家在构图造型上大多都有很高的水平，但在色彩表现上，能入一流境界的却不是很多，这个评语不是没有道理的。
今天的艺术家们，差得就更远了。
色彩理论不断更新
事实上，从十八世纪开始，就有一些艺术家对文艺复兴以来越来越繁复的色彩平衡理论产生了厌烦，或者说，他们是对这种过于理想主义的色彩提出了疑问。
这与当时启蒙运动的兴起是有很大的关系的。
乔舒亚·雷诺兹(1723～1792)是西方绘画史上一个知名人物，他是英国最著名的古典主义画家，英国皇家艺术学院的创始人，并任终身院长。
他是文艺复兴色彩理论的坚定支持者和积极实践者。
他对文艺复兴时期的绘画理论作了很多细化和解释。
他在解释达芬奇的色彩理论时进一步提出：在绘画中切忌在大面积上使用毫无过度色的鲜艳色彩，尤其不能大面积地使用冷色调，因为这会造成整个画面色彩的不协调。
他甚至特别强调：兰色和紫色不能在画面上占主要地位(从历史上看，的确很少有画家敢这么画)。
然而，与他同时期的另一位英国著名古典主义画家托马斯·庚斯特罗(1727～1788)，却是位充满反叛精神的艺术家，他用自己的作品向传统的色彩理论发起了挑战。
他的《蓝衣少年》、《蓝衣女人》，偏偏要让蓝色和紫色占主要位置，并且大面积地使用了冷色调。
这两幅作品精美绝伦，成为美术史上色彩使用的杰出范例。
同时，他也证明了传统的理论并非是不可更改的。
其实，正是18世纪绘画在色彩和造型上的逐步突破发展，才为十九世纪印象主义绘画的诞生创造了条件。
在十五世纪到十七世纪，艺术家们关心的是如何让色彩在作品中与主题精神统一，他们实际追求的是一种理想的和谐色彩。
而在十八世纪，艺术家们开始认识到，即便是现实世界的色彩也并非总是完美和谐的，艺术家们可以在不和谐中创造和谐。
而进入十九世纪后，艺术家们开始领会到亚里士多德美学精神更高层次的要义，艺术并非现实的完美再现，因为艺术属于人类精神生活层面的感受，因此，它应该是有情感的而并非纯理性的。
亚里士多德在谈到色彩和造型艺术时，除了强调和谐的基点外，他还进一步指出：关于造型和色彩，实际是受观者情绪和精神影响的，无论空间关系还是色彩，实际都是相对的，而非固定不变的。
一旦领悟了这一点，当代绘画艺术之门便被推开了。
用今天的话来说，印象主义后的色彩艺术实际是一种印象的，情绪的，主观的色彩艺术。
至此，文艺复兴绘画理论中理想主义的和谐色彩理论已被完全突破。
但这种突破并非废弃，它只是上升到情感的主观的层面，如此反而更具现实主义意义。
中国人在色彩搭配时常说：“红配绿，丑得哭”，但在陕甘一带农村，农民们婚嫁喜庆，却时见大红大绿相配，此时看来也未觉突兀，反而煞是好看，这的确是很有意思的现象，这与当代绘画的色彩理论恐怕也有异曲同工之妙。
中国对色彩认识先天不足
西方美术界对中国油画的批评往往集中在轻造型，轻色彩两个方面，这是一针见血的。
因为这的确是大多数中国画家的通病。
在中国当代，能纯熟驾驭把握色彩的画家的确非常少，这可能是三方面原因造成的：一是色彩艺术作为一门独立的学科在中国成课很晚，大约是在上世纪八十年代中，因此基础较差；二是受中西结合思想的影响，中国有很多画家画油画，画到最后总会情不自禁地尝试用中国画的技法去画油画，中国画讲的是笔墨精妙，这与油画语言显然不是一回事，硬把它们捏在一起只能变得不伦不类；三是受俄罗斯油画色彩风格的影响，俄罗斯的地理气候影响了俄罗斯画家对色彩的感知和认识。
另一方面，十八、十九世纪俄罗斯文化中那种忧郁悲怆的基调也对俄罗斯绘画产生了很大影响。
在文学中，如托尔斯泰，屠格涅夫；在音乐中，如柴科夫斯基；在绘画中，如苏里科夫，列宾，我们都能感受到。
如果对应在色彩上，那就是灰色和褐色。
众所周知，新中国的油画教育是全盘引进前苏联的，这已经影响了几代中国画家。
此外，中国大多数画家重技法，轻感受，勤于创作，懒于写生的不良绘画习惯，也是导致中国画家对色彩艺术的领悟始终难入境界的重要原因。
我看过国内不少很有名气的画家的作品，可我一直想不明白，在他们的作品中，为什么既便是青春少女，他们也要把色彩处理得如同出丧般的灰白惨淡。
还有一位知名画家的《威尼斯组画》，整个天空和水面都被处理成混浊的黑灰色。
我在春夏秋冬四季都去过威尼斯，我真不知道他是从哪里感受到的这种色彩。
究竟是色彩的灰暗，还是心里的灰暗。
如是后者，就应该按村上隆所说的，放在家中自己欣赏，不该拿来出来换钱
油画消费这些年在中国已逐渐步入中产之家，但大多数人并不知道如何欣赏油画，懂得一点色彩艺术是很必要的，如果不能理解色彩艺术对油画艺术重要意义，你就不可能真正理解油画。
色彩评价范文 第四篇
色彩氛围描述：“设计师选择橙色与棕色的同色系的变化营造出整个空间的和谐与稳定感，让整个空间充满深秋的静谧与成熟的味道。”
色彩年代感带入：“运用墨绿色的火车营造出整个空间氛围的年代感与岁月的痕迹，将整个橱窗的感觉带回到具有斑驳痕迹的过去。”
对比强调分析：“深秋的棕色、橙色与年代感极强的墨绿色形成强烈的对比色，让整个橱窗在静谧稳定的氛围中，带出来岁月，带出了回忆，也让橱窗在稳定的氛围中强调了橙色与绿色对比带来的视觉冲击。”
其他产品配合：“最后模特高彩度橙色的服装又在整个同色系空间中强调了重点，做旧的牛仔裤同样突出了斑驳的痕迹，让整个橱窗中的每一个元素都融合的非常完美。”
色彩评价范文 第五篇
彩铅画的特点是：色彩丰富且细腻。
优势是：可以表现出较为轻盈、通透的质感。
这是其他工具、材料所不能达到的。
彩铅画色彩是最需要我们注意的地方，色彩的好坏直接决定了这张画的命运。
这也是新手们最苦手的地方，因为彩铅很难完美的擦掉，一旦颜色留在画面上，怎么擦都无法完全擦干净，而且拿颜色盖住的时候很容易弄脏。
彩铅画色彩的运用是很重要的，有时候大家画的彩铅感觉颜色很淡，排除画笔等工具原因很有可能是因为你色彩运用的不够好。
假如，一个颜色你想让它凸显出来，通常要做到以下两点：周边的颜色要和它形成强烈的反差；它自己的本身颜色纯度要高。
扩展资料：彩铅的上色顺序一般是从浅到深，对一些把握不准的地方可以留白，想好之后再上色。
涂色的时候，不论排线还是平涂线都请线均匀上色一遍，需要加深的地方再考虑叠上相同颜色。
上色时，如果颜色上到轮廓以外(非阴影部分)可以不着急擦，这样对画面效果会更好。
在上深色时，力道要控制好，在靠近遮挡区阴影靠近光源的一边从内向外由深至浅渐变，如果事先涂有浅色层，那么用力轻一点，渐变到合适的颜色就可以了。
再来，上色时要弄清人物各部分轮廓关系，比如给手腕上色可以按手腕的弧度用交叉线上色，像头发可从头发发丝边缘依照曲度向内渐变颜色。
参考资料来源：百度百科-彩铅画
色彩评价范文 第六篇
第一，兴趣是否很高，愿意画。
几乎每一位幼儿对画画都有着强烈的兴趣，他们总是忘我地创作着，用画笔画出他们眼中的世界，或主观或夸张，极富有新颖性相独创性，他们的画虽然稚拙，却也妙趣横生。
但幼儿运腕用指的能力差，加上知识面窄，对事物的认识不深刻，看问题比较片面，思维方法非常幼稚，所画物体不成比例，多为象征性的，粗枝大叶的略衅作画，他们画的人常常是大大的头小小的身体，有的干脆就用一条直线代表一只手臂或一条腿，这些都是正常现象，他们画的不准不像是自然的，这也更能显示出幼儿所特有的兴趣、风格。
教师要保护好幼儿的这种绘画兴趣和特点，与幼儿一起分享他们创作的快乐，尊重他们，以表扬为主，局部矫正为辅，不能以成人的好坏标准刻板地评价幼儿的作品，更不能横加指责和随意改动他们的作品。
而应用\"童心\"去想幼儿所想，看幼儿所看，感幼儿所感，绝不能以线条整齐不整齐，造型象不象，是不是和老师的范例一样来评价幼儿的绘画作品，而应更多地看到作品的内容及情趣。
第二，运笔是否大胆流畅，不缩手。
大胆流畅的运笔，体现出一个孩子的自信心。
孩子存在着个体差异，教师要做个有心人，要善于发现孩子的细微进步，并用言语、动作对他们的进步表示肯定，让孩子在这小小的成功中逐步树立自信心。
第三，想像力是否独特，超越了现实。
爱因斯坦说过:\"想像力比知识更重要，因为知识是有限的，而想像力概括着世界上的一切，推动人类的进步，是知识的源泉。
因此，教育如果不能培养孩子自己开拓生活的原动力，它就失去了意义。
色彩评价范文 第七篇
一张好水粉画的评价标准是：构图完整，造型准确，色彩关系正确，表现力强。
水粉画是使用水调和粉质颜料绘制而成的一种画。
其表现特点为处在不透明和半透明之间，色彩可以在画面上产生艳丽、柔润、明亮、浑厚等艺术效果。
含粉对水色流畅的活动性会产生一定限制。
水粉画在湿的时候，颜色的饱和度很高，干后则由于粉的作用颜色失去光泽，饱和度大幅度降低，这就是它颜色纯度的局限性。
学习水粉画可以很好的认识色彩，对颜色的透明度有一个新的认识，在学习水粉画的过程中可以学会怎样调色，进一步了解色彩对水粉画的重要性。
评分标准如果按总分100分来评分的话。
评分如下：
1、构图完整，造型准确，色彩关系正确，表现力强。
评分大于89分。
2、构图完整，造型准确，色彩关系较正确，表现力比较强。
评分大于79分。
3、构图完整，造型基本准确，色彩关系基本正确，表现力比较好。
评分大于69分。
4、构图比较完整，造型比较准确，色彩关系基本正确。
评分大于59分。
5、构图不完整，造型不准确，色彩关系不正确。
50分以下。
6、构图差，造型差，色彩关系不正确，没有经过系统学习。
30分以下。
扩展资料：
水粉画中常见的笔法。
1、“平笔法”—笔迹隐蔽。
画面色层平整；2、“散除法”—笔迹显露，但色层厚薄变化不显著；3、“厚除法”—色层错综重叠，用色较厚、厚薄相间；4、“点彩法”—利用光色的空间、初觉混合原理，用密集的小笔触（色点）塑造形象。
（这种笔法用得较少，较难掌握，初学时不宜过早效仿）
参考资料来源：百度百科-水粉画
色彩评价范文 第八篇
水彩画并不单指用水调和颜料这点而言，水彩画有着自己丰富的内涵和一整套与别的画种截然不同的技法。
水份多少的控制，水份与颜料的比例，水份在纸上留下的痕迹都成为画面韵律形式及体现的表素。
总之，水份是水彩画的生命与灵魂，它起着支配画面效果的主要作用。
从两三百年前到现代，水彩画的概念有所拓展，内涵更广，内容更丰富，大大拓宽了原来的含义，认为只用水来调合颜料画在纸上，画面色彩节奏由水份含量来控制就称之为水彩画。
因为现代水彩不仅用水彩色，也用水粉色，丙烯色，国画色，透明水色，局部甚至还用油画色、油画捧、油漆、食盐、沙石等等，也有几种颜料混合使用。
总之，水彩画发展的每个阶段的共性就是整个画面的节奏、关系、色彩都是通过水份含量的多少来体现的，画面效果是通过对水份的控制达到的。
水彩画并不是一开始便为人们所认识的，在水彩艺术的早期，人们认为水彩画没有油画那样丰富，缺少美学价值，也没有版画那样的经济价值，是用来速记色彩或勾勒草图，是一种附属、低级的画种。
油画优越论占据了人们的心理，水彩画只被看作绘画的偏门末技。
在水彩艺术发展的初级阶段，有很多的水彩艺术家曾借用油画的绘制技巧，他们想以油画技巧提高水彩画的表现能力。
但到了后来，水彩画艺术在自己的道路上突飞猛进的时候却是在完全摒弃了油画技法的影响之后，才逐渐形成了一整套完整的独特的技法，从而形成了一种独立的画种。
如今我们在许多优秀的水彩画中，很难再看到修改、揩擦和小毛点彩的痕迹，更少看到油画技法的影子，因为水彩画的特性就是在第一笔中便饱含了自己的特色—颜色纯净、透明、清晰、自然。
水彩画一般分为透明水彩画法和不透明水彩画法两种。
透明水彩画法就是用水调和颜料，薄薄的涂画一层，使画面上的色彩清晰明快，具有透明的感觉，不透明画法除清水之外，还可用树胶，使画面色彩更微妙，更柔和。
由此可以想到，随着观念的更新、题材和技法等领域的拓宽，水彩画的概念将更加广阔和深远。
就其本身而言具有两个基本特征：一是画面大多具有通透的视觉感觉；二是绘画过程中水的流动性。
由此造成了水彩画不同于其他画种的外表风貌和创作技法的区别。
颜料的透明性使水彩画产生一种明澈的表面效果，而水的流动性会生成淋漓酣畅、自然洒脱的意趣。
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