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艺术设计概论报告范文(精选5篇)
艺术设计概论报告范文 第一篇
运动艺术概论论文范文一:浅析现代艺术运动对现代平面设计的影响
论文关键词:现代艺术 艺术运动 平面设计
论文摘要:绘画和设计是艺术的重要组成部分,两者虽属于不同的门类,却有着千丝万缕的联系。在创作理念、技法等方面,绘画和设计是互为作用,互为服务的。而现代艺术不是单纯指各种美术流派,它是一种复杂的社会思潮的体现,深刻地影响了西方社会的意识形态,同时也影响到其它领域。现代艺术为平面设计提供了丰富的、更多的形式语言,促进了平面设计的表达和新风格的形成,为现代设计提供了丰富的营养。由此,现代平面设计在自觉的层次上步入了多元化、自主化的境地。
20世纪是一个无法比拟的时代,各种艺术形式在反传统的基础上,呈现出千姿百态的景象,它几乎很难用一种风格和形式进行描述,也很难用传统的观念进行分类。工业技术的飞速发展,不但对社会结构和社会生活带来了巨大的冲击,同时也为艺术家们带来了新的艺术内容和新的表现形式。在1907年到第二次世界大战期间,在欧洲和美国相继出现了一系列的艺术运动,是针对传统艺术而进行全面、彻底的艺术革新运动不仅是对人类文明中从传统艺术的内容、目的价值观、服务对象、表现形式、创作手段到表达媒介的彻底改变,而且也为现代视觉设计领域注入了新的活力,极大地丰富了招贴设计的视觉语言。
一、立体主义
立体主义运动从1908年开始,一直延续到了20世纪20年代中期,是现代艺术中最重要的运动,它不仅对20世纪初的前卫艺术家产生了重大的影响,导致了新艺术运动的出现,并且对平面设计从表现形式到思维方式都有着巨大的影响。
主要代表人物是帕布罗·xxx和乔治·布拉克。他们的创作来自两个不同的源泉,一个是非洲的原始艺术形式,特别是原始部落的面具、雕塑和埃及的出土文物;另一个是保罗·塞尚的静物和风景绘画。20世纪初,当人们还沉浸在传统艺术的浪漫优美的氛围中时,xxx在1907年向世人展示了“第一件有立体主义倾向的作品——《亚维农少女》,人们被这抽象成几何人形的画面震惊了,这是向传统的审美观进行的尖锐挑战。因为立体主义“否认了从一个视点观察事物和表现事物的传统方法,把三度空间的画面归结成平面的,两度空间的画面。明暗、光线、空气、氛围表现的趣味让位于由直线、曲线所构成的轮廓、块面堆积与交错的趣味和情调”。
立体主义运动分为两个阶段,第一个阶段是1908年到1912年,这时期基本上是xxx和布拉克的二人活动,后来影响到其他青年艺术家进行尝试,逐渐形成一个国际运动。他们分析绘画中的各种基本组成元素,对于色彩、形式、结构都提出了具体的分析原则,在绘画上逐步走向理性分析的方向,称为“分析立体主义”时期。xxx还开始尝试把这种思维方式、观察处理艺术状态的方法用在雕塑上,受他影响的几个前卫雕塑家推动了立体雕塑的形成。
第二个阶段是从1912年开始的,立体主义往更主观、更抽象、更复杂的方向发展。xxx开始尝试使用新的媒介进行拼贴,他在作品中使用旧报纸、海报残片、废弃的公共汽车票等,之后还使用了木片、沙、金属等材料在作品中进行拼贴。这是绘画史上第一次使用其他材料,通过不同材料的组合和造型,达到和谐的艺术效果,被称为“综合立体主义”时期,开创了绘画渐新的方向,表现方式使艺术家空前的自由。
立体主义在造型、空间的处理手法上,新材料的运用方面都给现代平面设计带来了新的启示。在进入了综合立体主义阶段后,利用多种不同素材的组合去创造一个新的形象,开始使用拼贴来进行表现,强调肌理和色彩的质感。传统的写实的、具象的形象被抽象的几何化的形象代替,新材料拼合出色彩和肌理都逼真的形象,创造出新的平面设计语言。抽象的几何形态,多视角的画面,不同空间的物象组合,新材料的运用,拼贴手法的使用,为现代平面设计提供了新的创造元素,极大地丰富了平面设计语言,开拓了新的设计思维。无论在当时,还是在今天的招贴设计和平面设计中,我们仍然可以看到立体主义的影响。
二、未来主义
未来主义于20世纪初在意大利兴起,它是涉及到绘画、雕塑和建筑设计等领域的一场影响深刻的艺术运动。它崇尚机器速度,抛弃传统的趣味,反对一切模仿的形式,对抗和谐与高雅的趣味,否定艺术批评的作用,对达达主义运动和构成主义运动都有着深刻的影响,并且为现代平面设计提供了高度自由的设计方式。
未来主义的代表人物为意大利诗人费里波·马里内谛,他于1909年2月份在法国报纸《费加罗报》上发表的《未来主义宣言》为标志,成为未来主义运动的奠基人。他认为应该庆祝速度、战争和暴力,这些活动才是代表未来的实质。他反对任何传统的艺术形式,认为真正艺术创作的灵感来源应该是意大利和欧洲的技术成就,而不是古典的传统,应该歌颂技术之美、战争之美和速度之美。
未来主义摒弃一切传统的绘画方式和表现手段,强调艺术反映工业时代的现代感,致力于通过表现运动和速度来展现工社会的审美观念,赞美机器、运动、速度和暴力。未来主义一面吸收了分析立体主义用分解物体的方法来表现物体的运动感,另一方面借鉴了新印象主义点彩的绘图技巧,用线和色彩表现连续的层次组合和一系列重叠的形,还经常把同时发生的各种现象放在一幅作品中,来表现物体运动时的情景,用无拘束的构图,狂乱的线条和笔触表现物象的运动感和速度感。巴拉的代表作《链子上一条狗的动态》体现了未来主义的风格,描绘的是奔跑的狗和女人的足,用重复的形来表现物象的运动,将奔跑的狗连续运动时在不同的时间腿部的动作瞬间定格在一张画布上,这些动作瞬间就会凝固成一个个变化阶段,这是未来主义艺术家以静态的手段描写动态物体的积极尝试,对后来超现实主义、达达主义等画派产生了直接的影响。
对于平面设计来说,未来主义主张利用抽象元素在画面中的穿插、重叠,以及线的力量来表现作品的运动感、速度感和力量感。他们对字体设计、字母形态及组合构成有独到的见解,强调对时代和生活的感受、内容和形式的统一,把平面设计的内容通过具体的画面形式表现出来。通过图形、文字、色彩等要素体现出力量感是未来主义平面设计的风格,未来主义诗歌和宣传品的设计是他们平面设计风格的典型表现。马里内谛正于1913年6月份在《拉谢巴》刊物上发表了一篇文章,宣传他的平面设计观点,他认为新时代的语言应该是不受以前规律限制的自由组合。在版面编排上,他也主张推翻所有的传统的编排方法,以完全自由的方式取代。他在其中一页上发表了自己的诗歌,完全违反语法,编排自由,纵横交错,杂乱无章,字体各种各样,大小不一,在版面上形成一个完全混乱的,无政府主义的形式。从这里开始,意大利未来主义形成了自己的平面设计风格,称为,成为“自由文字”。 马里内谛任认为诗歌额其他文学作品首先应该是解放作家自己的手段,解放的内容包括从语法中摆脱出来,从陈旧的版面编排控制下摆脱出来。他的这一主张,在未来主义艺术家这一时期设计的招贴画、书籍和杂志中得到充分发挥。
未来主义艺术家对艺术和人类文化的进步,持乐观积极的态度,他们是现代机
器文明和技术进步的狂热歌颂者和崇拜者,对现代艺术的贡献也并不只是艺术风格、形式语言的创新,其重要性更体现在激进的艺术主张,,以及自由不羁的无政府主义的宣传所引发的强大感染力与煽动性。未来主义在平面设计的形式上给后来的现代平面设计提供了高度自由的编排借鉴,而且还影响着计算机出现以后的当代平面设计。 三、达达主义(Dada)
达达主义是第一次世界大战期间,一群对社会前途感到失望和困惑的小资产阶级知识分子首先在瑞士苏黎世,之后在德国的柏林,法国的巴黎和美国的纽约发展起来的一个高度无政府主义的艺术运动。他们用偶然在字典上翻到的词来称呼这一艺术运动,主张用消极的无政府主义和破坏形式来表达他们对以前的艺术,现实世界和战争的反映,以批判的观念重新审视传统,对艺术的准则进行瓦解和嘲讽,力图反主流文化和彻底解放视觉的想象。达达主义反对所有的现存艺术,反理性,认为世界是没有任何规律可以遵循的,唯一可以遵循的是机会和偶然性。达达主义具有强烈的虚无主义特点,是知识分子在特殊情况下的一种个人情绪的宣泄,对20世纪的艺术和平面设计都产生了深远的影响。在破坏意义上的达达精神的真正先驱是制作现成品的马塞尔·杜桑,他曾用立体主义语言创造过经典的绘画《下楼梯的裸女》,用静止的形象记录传达了运动的可能性。他的惊世骇俗的“作品”是在1917年用小便池制作的“泉”,引起了极大的哗然;另外还在复制的蒙娜丽莎脸上加上两撇胡子的画等。他以坚定不移的自我逻辑和杰出的禀赋,将他艺术家的命运贡献给了颠倒的、贬义的、反艺术的、甚至非艺术的美术原则。但他是艺术与生活融合的主倡者。
德国汉诺威的诗人兼画家库特·施威特是达达主义平面设计的代表人物。他的版面编排随意,强调艺术视觉效果,版面没有实质的内容,且大部分的版面内容都难以读懂,但是他的版面排版工整,并经常使用象征的版面设计手法,追求完全自由与偶然性法则相互作用的创作方式。同时,他还大量利用各种平面印刷品、照片进行随意拼贴、拼凑,是照片拼贴设计的重要早期探索人物。
达达主义对现代平面设计的影响是从形式上开始的,他的对现成品使用的随意性、偶然性,成为现代平面设计创造语汇与表现手法的能源。达达主义对意大利未来主义的精神和形式进行进一步的探索和发展,继而又为超现实主义的产生奠定了基础。
四、超现实主义(Surrealism)
超现实主义运动是1920年出现在法国的一个重要的现代艺术运动,超现实主义在文学、喜剧和艺术上都有不同程度的发展。第一次世界大战给欧洲文明造成了巨大破坏和损害,使大批知识分子感到茫然,出现了虚无主义思想。他们以为所谓的真实表象都是虚伪的,要了解社会的真实,只有艺术家的自我感觉可以依赖和信任,这种思潮很快得到其他艺术家的认同,发展为一个运动。1924年,安德烈·布里东发表了一篇名为《超现实主义宣言》,宣告超现实主义的开始。超现实主义继承了达达主义对社会现实的批评态度,对于字体、文字、文学的表达方法、语法规律,文化、美学持否定态度,对奥地利心理学家佛洛伊德·西格蒙德的心理学研究倍加赞赏,声称要进行精神领域的革命,主张发觉未开发的想象,幻想的心灵世界,全面地解放思想。超现实主义是非理性的,更强调无意识是一种与理性思想相分离的意识流。超现实主义不仅是一种美学风格,还是一种认识方式,一种生活方式。
超现实主义有两个着名的大师——萨尔瓦多·达利和琼·米罗,二个人都是西班牙人,却代表了超现实主义两种相反的表现方向。达利以写实和近乎摄影搬的形象来尽力捕捉他梦中的感觉,梦中所看到的景象,让不可能的现实变为一眼目睹的真实;而米罗则采用抽象的纯视觉语言进行创作,最大限度地发挥想象力,去完成作品的释读与理解。他们把现实观念与梦境幻觉及本能潜意识等结合起来,不受逻辑和现实制约,由非理性的联想来指导并表现原始的冲动和主观意象,营造现实中不可能存在的形象和环境,以达到超现实的境地。 超现实主义对平面设计的影响是多方面的,首先,它为平面设计提供了一个新的美学风格:那种看似真实的、光怪离奇的形象之间非逻辑的联系,有一种怪诞的、神秘的美;其次超现实主义还为平面设计的创意提供了一种认识世界、感觉生活的新思维。
平面设计中常常把毫不相关的物象组合在一起,强调主观比喻,或者采用荒诞、夸张的手法呈现出超现实主义的梦境,进行主题表达和信息传递。同时,超现实主义非常具有表现力的写实技法和儿童般天真的抽象、半抽象的神秘有机形为平面设计广泛运用,其强烈的视觉形象对平面设计造型、表意、信息表达都具有很好的作用。超现实主义作为一个运动已经逝去,但它为后来者建起了一座丰富的创意宝库。
五、结语
以上几种西方的艺术运动不仅仅是绘画方面的成就,绘画所体现出来的艺术观念、审美精神也影响了现代设计的发生和发展。绘画和设计本是一家,只是在当今社会发展之下被赋予了不同的功能。绘画是设计的视觉准备,不仅给予设计造型的方式产生提供了直接或间接的借鉴意义,同时绘画的美感知觉也可以培养学生感受美的能力,提高品味美,为设计打好基础。设计在飞速发展的今天被赋予了很大的商业价值,成为产品宣传的最有效途径;设计也可以激起学生的绘画热情,可以使绘画变得精致细腻合乎现代人的审美。因此,设计和绘画可以进行互动性教学,在互动中激活有灵感的创意,从而做出有创造性的作品。
参考文献:
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运动艺术概论论文范文二:现代标志设计风格演变趋势的研究
摘要:标志设计是艺术设计的一个重要门类,在人类生活的多个方面都发挥着各种重要的作用。随着时代的发展和社会的进步,标志设计已成为最有效的手段之一的视觉通信,本文旨在论述新时代背景下标志设计的新思路,以国内外的大量成功的设计作品为例, 从剖析基础知识入手,用图文并茂的方法加以详细说明,使大众能够熟练地掌握有关现代标志设计的概述、历史发展趋势、美感特征、设计准则、表现程序等。
关键词:现代标志设计;发展趋势;风格演变
第一章 绪论
课题的来源及研究现状
现代标志设计是一种特殊的文字或图像组成的大众传播符号,它的基本功能是以图形来传达信息,表现其内在的质量、特点,而以之作为一种沟通的媒介;它是人类文明高容量的载体,是人类文化的缩影。纵观历史,从原始社会的记号到图腾,从商周的象形符号到秦汉的印章,再从唐宋的幌子到明清的洋化标志,标志的这些变化无不体现
了当时整个社会的历史文化状况。我们在进行现代标志设计时可以借用象征意义的原始符号体现某种意趣、情感和思想;或者将原始符号的某些元素进行变化、重组和出新,使其具有传统的形似和神韵,又有现代设计的意味;或是将传统图形渗透于现代标志设计的方法之中,进而体现出某个地区、某个民族的气质、精神和理念。 在设计过程中,不同设计领域风格的融合已经成为设计风格变化的主题之一。现代标志设计就是在方寸之间尽显无尽的意趣和思想,在交流与交换中传达出很强的符号性和象征意义。然而随着时间的推移,空间环境的变化不断改变着人们的生活理念和审美心理,而整个设计世界的设计趋势则出现了“反国际化”的现象,倡导具有地方特色和民族特色的设计,一个新的设计风格不断涌现,日趋多样,这同样在标志设计中表现出来。
课题的意义
旨在论述新时代背景下涌现的标志设计新思维,分别从标志设计的表现手法、历史文脉的继承、消费者情感需求、及后现代标志趋向方面予以阐释,归纳出具体新趋势和表现风格,希望对现代标志设计的研究知识和实践具有一定意义。
课题的研究方法
本论文以国内外大量成功的设计作品作为实例,从剖析基础知识入手,用图文并茂的方法加以详细说明,使大众能够熟练地掌握有关现代标志设计的概述、历史发展趋势、美感特征、设计准则、表现程序等。同时又借助优秀案例生动具体地帮助读者掌握如何赋予简洁的标志图形以丰富的内涵,以及如何把图形所承载的信息以恰当的、生动的形式传递出来。
第二章 概念与定义
标志设计
“标志是用以区别个人或集体所提供的商品及服务的标记”。它是根据人类生产、生活实践的需要应运而生,既是一种知识产权,一种脑力劳动成果又是工业产权的一部分。是现代经济的产物,它不同于古代的印记。
现代标志设计
现代标志设计是一种特殊文字和图像组合起来的的大众传播符号,它能够借鉴和运用原始符号并给予原始符号以更高的艺术境界,原始符号是人类有记载以来为了交流、记录的需要而创造的一种视觉语言。原始社会中,一些部落的图腾、手工艺品及其物品的符号和记号都是现代标志设计形成的萌芽,它们都代表着群体文化,这类标志、符号和记号并非是一种纯装饰的纹样,它们充满了部落信仰和传统观念,凝结了原始人一定的动作和目的,反映着社会历史的内容和各种含义,表现着一个地区的发展进程。
现代标志设计的特性
一、多元化特征更为鲜明
艺术设计概论报告范文 第二篇
当前我国的社会经济、社会环境与传统合作医疗时期的经济相比，已经发生了巨大的变化，继续单一地采用传统农村合作医疗制度而放弃独立的农村医疗救助制度对于现在来说是不可行的。因为传统农村合作医疗制度基本上是覆盖了医疗救助制度的功能，所有人的医疗需求都可以得到保障，因此不需要再建立独立的医疗救助制度。而新型农村合作医疗实行的是自愿原则，那些没有能力支付保费的农村贫困人口就被拒在了医疗保障大门之外。并且即使政府提供资金使这些贫困农民加入了新农合，贫困农民的医疗需求还是得不到真正的保障。因为小病门诊费、医疗费用不属于合作医疗的保障范围，大病的医疗费用是要自己先付起付线以下的部分，达到起付线以后还要自付一定的比例，并且还设有封顶线。对于农村贫困人群而言，根本无力承担这样的医疗费用。结果贫困农民依然是看不起病，依然得不到合作医疗的保障。新型农村合作医疗制度保障范围是有限的，保障功能也不够全面，这决定了必须建立独立的农村医疗救助制度来保障那些没有被新农合覆盖的贫困人群[3]，新型农村合作医疗的实践决定了必须建立独立的医疗救助制度。试点中，一些贫困地区的贫困农民没有稳定可靠的收入来支付参加合作医疗的费用，只有暂时依靠财政或社会捐助来解决，这显然不是长久之计。农村合作医疗属于农村的一项基本保障制度，要坚持贯彻并要长期坚持，而贫困地区地方财政的紧张和社会捐助的不稳定性不能保障制度资金来源放入稳定，不利于新型农村合作医疗制度的长期可持续发展。因此，要建立与之相互补充的农村医疗救助制度来保障所有人的基本医疗需求。
农村医疗救助存在的问题
从试点的运行状况来看，农村医疗救助制度的确有了长足的进步，但是由于还处于制度的初创期，又缺乏可借鉴的成功经验。因此，从目前实施的现状看，这项制度从设计到实施都还存在一些问题。（一）制度的设计不够完善起初医疗救助制度在整个社会医疗保障体系中的定位是不明晰的，也没有明确的政策目标，主要体现在救助对象、救助内容和救助标准尚未稳定，变动不居。对特殊病种的限定大大缩小了医疗救助的范围，可以得到救助的病种只有几种到十几，导致许多亟需救助的贫困家庭被排斥在救助范围之外；医疗救助的申请手续、报销手续和行政程序过于纷繁复杂，各部门之间协调难度大，工作效率降低，运行成本高，使得部分贫困群体对之望而却步；医疗救助制度规定救助对象只能到定点医院就诊或住院才能享受救助，使救助对象毫无选择余地，而且不利于医疗资源的合理配置。以上的种种限制，既不利于缓解人群的对医疗需求的困难，也不利于医疗机构提供价廉质优的服务。（二）资助农村救助对象参合没有达到保障的目的部分地区采取资助贫困人口参加新农合为医疗救助的主要形式时，因为贫困人口经济的困难而无法享受到新农合，有病不治、应住院而不住的现象仍然存在。一是因为新农合采取后付制时，患者必须自己先带钱去看病，出院后才能进入合作医疗补偿程序；二是新农合设置了起付线，补偿对象只有支付了起付线以下的费用后才能得到新农合的补偿。如果医疗救助对象的医疗费用低于起付线，或者他们没有足够的钱去支付需要自己承担的费用，就得不到合作医疗的补偿，政府为他们代缴的个人参合费实际上被其他能够承担得起自付费用的农村居民所占用。（三）医疗救助经费严重不足一方面，在中西部经济发展落后的地区，地方政府的财政能力非常薄弱，无力加大在医疗救助方面的投入，导致医疗救助资金和配套资金不足或不到位，阻碍了医疗救助制度的发展。另一方面，2006年人均医疗救助支出，城市为348元/人，农村仅70元/人，人均救助标准太低，尤其是对本身就贫困的农民的补助更加微薄，只能稍微缓解贫困救助对象的一般就医困难。对于需要支付巨大的医疗费用的贫困对象，有限的医疗救助对其的帮助微之甚微，救助对象还是得不到有效的医疗保障。
农村医疗救助与新型农村合作医疗保险的有机结合
艺术设计概论报告范文 第三篇
浅探艺术设计与生活
摘 要：设计与我们的生活密切相关，当人们使用方便、快捷、美观的产品时，是否会注意到自己的行为习惯会因为使用这些设计而发生改变，是否发现习以为常的行为后面是设计师事先设计好的?文章以设计与生活行为的关系进行初步探讨和反思，通过案例来探索设计与行为之间的关系。
关键词：设计; 生活; 行为; 无意识
“行为”是主体的活动或对环境的反应，行为的主体可以是人，也可以是“集体”和“组织”。①格式塔心理学认为人的行为由人与环境的相互关系决定，而行为是指受心理支配的外部活动。所以只有受行为环境调节的行为我们才将之称作为“行为”人的行为总是发生在某一特定的行为环境中的行为②。
既然人的行为受到外部环境的影响，那么工具对于人的影响就必然的存在。在早期人类阶段，智人还没有制造工具的能力，他们只能通过发现物体的其他用途来“发现”工具，例如长树枝可以当棍子使用，干草可以垫在身子下面使休息更舒适。当人类的第一件工具被制造出来时，随之而来的行为改变也就发生了。
因为任何工具的制造与产生都带有目的性，而由于有明确的目的性，就会产生相应的行为举动，例如当人类发明的石刀，就会出现用刀切割的动作形态，而在石刀出现之前，是没有任何“人”能理解切割这个姿势所包含的意义和结果的。正如钻木取火的出现才使得人的行为中大量的出现双手合十迅速摩擦的姿势，因为这是一种符号信息，但凡有钻木取火经验的原始人看到这个动作，就会知道对方是在做什么，而在钻木取火出现之前，有人能理解这一系列动作的含义么。
智人时期的“设计”，根本目的就是解决生活中的问题，发展至现在，设计或者设计产品已经成为我们生活中不可或缺的一部分，人所使用的任何人造物都是经过设计的，是工程师与设计师共同完成的一种行为载体，但是人们已经习惯于使用这些物品而大多数没有注意到一个现象，就是设计活动不仅设计了我们所使用的人造物，同时也设计了我们的行为。
那么，如何理解“行为设计”?在本文中，笔者所涉及到的“行为设计”是指设计师在构思一件产品时就已经设想好与之相关的使用行为与方式，即大众如何使用产品。举个简单的例子，电话发明之前，人类普遍的肢体活动中，没有手持听筒这个姿势，因为不会有人长时间的拿一个物体放在自己的脸旁，但是自从贝尔的电话成功后，人们就接受了这种行为在生活中出现，因为这种行为利于我们通过打电话沟通。
当这种行为在人们的生活中稀松平常时，我们是否可以这样认为“行为其实也是设计产品的一部分”，也就是说如何使用产品，是设计师所提前构思设计好的，通过对产品的修改或改变就可以控制人的肢体行为，而且人是在不知不觉中就接受这种预先设定好的指令。我们继续以电话为例子，早期的电话都是手摇式，这就规定了人在使用电话时需要先摇几圈，才能联系到接线员。
人的行为之所以会随着产品的改变而变化是因为人的认知是不断变化的，正如威廉・詹姆斯所讲“意识处于一种川流不息的状态――意识流，它有以下重要的特性：意识都是个人的，意识是经常变化着的，每一个人的意识都是连续不断的，意识决定于注意和习惯。”③
然而大众群体并非只是单纯的设计受众，因为他们能给设计人员以反馈来改变设计人员的设计作品。如果在一个分配的体制下，受众只能得到什么就使用什么，他们的行为习惯受制于产品的设计，而在市场体制下，如果人们觉得某个东西不好用，不喜欢，从而造成这种产品的销售量低迷，就会影响这种产品的改变，这就形成了一种互动的形式。设计改变着人们的行为，人们也在影响着设计的形式。举一个近十几年的例子。
鼠标，是计算机输入设备的简称，分有线和无线两种。目前我们所使用的鼠标无论是机械鼠还是光电鼠，他的使用方式基本是一样的，这种姿势我们习以为常，甚至已经成为我们的潜意识，我们可以在使用鼠标时注意下自己的行为，当我们打完字，一直手准备去握鼠标时，我们的手已经提前摆好了姿势，然后把手放下去，握住鼠标，这是一个连贯的动作，我们有时不会注意。
而随着社会的发展，人们工作的形式发生了变化，越来越多的人不得不长时间的运用鼠标工作，从而引发了一种新的疾病――“鼠标手”，也就是“腕管综合症”，它是指人体的正中神经以及手部的血管，在腕管处受到压迫从而引发的症状。④15这是设计改变了我们的行为习惯之后产生的一种现代病，而随着“鼠标手”问题的日渐突出，一些商家和设计师开始寻求新的解决方法，这也正是大众对产品设计的影响。随之产生了一种新的鼠标――垂直竖握式鼠标。
垂直鼠标：HE独创了垂直鼠标这一概念。所谓的“垂直”就是指使用者在使用鼠标时，手掌是与桌面接近垂直状态。普通的鼠标在使用的过程中，手腕就要背屈成一定角度，掌侧与桌面接触挤压，使得腕管处压力增大。由于长时间机械式反复的挤压摩擦，就使得通往手腕的神经和血管受到损伤④19。而垂直鼠标的手型姿势避免手臂的翻转缓解对手腕和腕隧道的压力。
在使用这种鼠标之前，笔者并没有注意到产品设计对行为习惯的影响，但是，当笔者使用新的鼠标进行工作时，笔者的习惯还是停留在普通鼠标的使用习惯上，所以当笔者输入完文字去拿鼠标时，笔者的手势还是平放微曲，但是这次笔者的手却没能扣住鼠标，而是将垂直鼠标打翻在地，因为新的竖握式鼠标的使用方式与普通鼠标不同，正是这个打翻的鼠标，使笔者开始思考设计与人的行为关系。
当笔者思考这些问题时，便开始寻找一些资料或者有哪些设计师在研究这些课题，而最让人沉思的应该就是深泽直人和他的无意识设计。日本设计师深泽直人首次提出了一种叫做无意识设计的设计理念，又称为“直觉设计”，意为：将无意识的行动转化为可见之物。深泽直人是将可供性这一概念通过自己的理解进一步转化为自己的设计理论。
深泽直人为一个公司设计雨伞存放处，他没有简单的采用传统的伞架，而是在地板上均匀的打了一些孔洞，成矩阵排列。当解释其构思时，他说与其让伞平淡无奇的放在那里，不如设置一个装置，来引导进入公司的人的行为，这比较有意思。当人进入公司后，把伞插入孔洞之中，伞就直挺挺的立在那里，好像魔术一般，随着人员的增多，伞的数量也增加，这样就形成了一个景观，非常有趣也很吸引人，并且人们也乐于参与这个设计。
笔者认为深泽直人的无意识设计是从人的行为习惯入手，以意识行为作为切入点来设计，而如今成功的产品设计更多的是采用设计中带有行为影响的因素或者目的就是创造一种新的行为习惯，就像乔布斯所说的“消费者并不知道自己需要什么，直到我们拿出自己的产品，他们就发现，这是我要的东西”。而类似的观点很早以前就有人提到过，福特就曾说：“如果你问你的顾客需要什么，他们会说需要一辆更快的马车。”这样的想法令人激动不已，而且我们会发现无论是从“无意识”出发，还是从“有意识”出发，我们都能设计出很棒的产品，而从哪一方面入手就看设计师各自的抉择。我们已经知道了深泽直人的“无意识”设计，那么苹果的“有意识”是什么呢?
艺术设计概论报告范文 第四篇
一、课程结构的变革
按照这一思想，在设置艺术设计专业的课程体系时，可改变原有的设计素描、设计色彩、色彩构成、平面构成、立体构成五门基础课程依次进行的开课方式，将形式基础课与造型基础课相融合，整合课程知识，使之变成一门综合的进阶课程，并以由易到难、由简单到复杂的作品制作为载体，以情境教学为主要手段，将技能与知识的传授紧密地结合起来。同时，在教学准备与教学评价环节，可穿插美术史及美术理论类课程知识，通过与美术史、美术概论等美术类通识课程的横向联系，使学生获得更专业的艺术素质培养，提升审美品位，获得进一步更新知识的能力，以区别于普通职业院校的单一技能教育。在黄淮学院艺术设计专业原有的课程体系中，造型基础一（设计素描）、造型基础二（设计色彩）、设计基础一（平面构成）、设计基础二（色彩构成）、设计基础三（立体构成）五门基础课程是分别开设的，可尝试将其整合为由三级模块构成的课程体系：一级模块包括形态结构分析、形态结构表现、形态表象分析、形态材料表现等内容；二级模块包括基础形态结构主观构建、基础形态全因素创作、复杂形态结构主观构建、复杂形态全因素创作等内容；三级模块包括情境空间综合形态创作（室内陈设、灯光等）、视觉综合表现（主题设定、广告模拟、包装）、工业产品形态创作（日常用品基础结构、外观、材料质感）、建筑形态创作（基础空间结构创作、表面形态处理）等内容。整合后的课程体系由简入繁，结构更为清晰。
二、教材的改编与应用
三、课堂组织形式和教学方法的变革
传统的造型基础课教学一般是将理论教学与画室实践练习相结合，先理论后实践，“讲一讲画一画”。这样看似符合认知规律，但它对学生的理解力与专业基础要求较高，基础素质较差的学生很难有理想的学习效果。应用型教育要求学生有自主理解与更新知识技能的能力和合作交流能力。艺术设计专业人才在项目设计团队中承担着一定的工作角色，能否胜任角色，不仅要看其知识储备和技法的掌握情况，更要看其能否合理、熟练地选择和运用知识技能。而这一人才培养目标，采用传统的“一人一板、画完收工”的课堂组织方式与教学方法是难以达成的。因此，根据新培养目标革新教学方法势在必行。为了增强学生的交流与合作能力，可根据课程内容的复杂程度，将学生分成若干制作组或讨论组并扮演具体的角色，从制定创意计划到创意的实施和总结评价，让学生畅所欲言地交流思想，或通过小组互评查漏补缺，从而不断地完善创意计划。
在这一教学过程中，教师要注重学生的自主学习和小组合作学习，注重学生学习的目的性，并逐渐淡化自己的主导作用；教师要注意通过细心观察发现并及时帮助解决学生在学习中的思路和技术问题，同时归纳典型问题留待下一教学环节重点解决。在布置任务和讲解任务范例时，教师应使用规范的方法与步骤，运用多媒体图片和3D模型，尽可能全面地阐释范例的工作过程及采用的方法，进而使学生明确任务的目标要求。在创意阶段，应以小组为单位让学生将各自的创意以多媒体等形式进行展示，经过小组反复讨论、修改后确定最符合任务目标的设计方案，然后投入作品的制作。作品制作完成后，教师应指导学生构建作品的评价指标，组织学生阐释作品中基础知识与技能的应用情况、作品的组织方式和创作理念等，通过讨论评选出优秀作品，并将典型案例的创意制作过程以视频等形式备案。更新课堂组织方式和教学手段的目的，是为了使学生了解专业工作团队基本的工作与交流方式，加强理论与实践的联系，让学生真正做到“在学中练，在练中学”，同步提高认识能力和实践能力。
艺术设计概论报告范文 第五篇
浅谈CG艺术与现代艺术设计
摘要：在计算机技术发展、个人电脑普及的今天，数码技术与艺术设计的结合已经成为不可阻挡的趋势，既是应艺术设计发展的需要，也是数码技术发展提供了可能。数码技术从诞生到发展成为现代艺术设计的主要表现手段，使现代艺术设计的形式更加多样化，一种新的艺术门类——数码艺术(CG艺术)，在艺术设计领域中逐渐占有重要地位。
关键词：CG艺术，数码图形技术，艺术设计
在计算机技术发展、个人电脑普及的今天，数码技术与艺术设计的结合已经成为不可阻挡的趋势，既是应艺术设计发展的需要，也是数码技术发展提供了可能。数码技术从诞生到发展成为现代艺术设计的主要表现手段，使现代艺术设计的形式更加多样化，一种新的艺术门类——数码艺术(CG艺术)，在艺术设计领域中逐渐占有重要地位。
一、CG艺术的产生
CG艺术起源于计算机图形技术在艺术设计领域的拓展。。1962年，美国麻省理工学院的苏泽兰发表了名为《画板》的博士论文，正式提出计算机图形学(ComputerGraphics)这一概念，奠定了计算机图形技术发展的理论基础 。随着计算机技术的发展，个人电脑逐渐普及，数字艺术软件功能也日益强大完善，各种具有强大图形处理能力的绘图软件成为艺术创作的工具，同时，围绕计算机涌现出诸如扫描仪、针式打印机、喷墨打印机、激光彩色打印机、数码绘画笔、胶片记录仪等众多周边技术设备，更加有力的促进了数字与艺术的融合与发展，逐渐形成自身独特的视觉表现语言，CG艺术这一形式开始进入到古老的艺术殿堂。
二、CG艺术设计的优势
数码设计是靠信息(数据)处理的原理，以计算机为平台的艺术设计，借用高科技手段传达设计师的设计思想。传统设计主要是指利用传统绘图工具，传达设计师的设计思想。通过比较可以看出数码艺术设计具有传统设计手段无法比拟的优越性：
1、造型准确，效果逼真;
CG艺术既可较为真实地表现客观事物，也可表现人们幻想中的世界和理想化的形象，还可把表现形式从二维空间的平面上扩展到三维和时间维，使画面呈现出强烈的立体感并富有意境和美感和震撼力。在设计创作中，常常需要将所构思的设计造型准确而逼真地表现出来，以表达其设计意图，并作为对设计方案进行比较和征询意见的依据。表达设计意图的手段有效果图和制作模型。效果图的准确性和真实感比一般绘画要求高，一般不能带有随意性和艺术上的夸张表现手法。早期的效果图需要专业的美工设计人员进行手工绘制，由于绘画本身的限制，很多表面和内部细节都无法清晰的展现出来，而用电脑绘制的效果图可以对个别部分进行独立地修改，由于其相关软件日趋完善，使创建出的效果图更接近于真实效果，使其在具备实用价值的同时还具备艺术价值。
2、修改方便
数字化图形技术制作的效果图便于修改，可以在建模到成图的过程中，进行造型、色彩、质感等方面进行反复修改。这样既有利于设计师优化设计方案，也有助于多角度地展示设计构思和表述设计。
CG设计对于摄影、摄像方面来看则解决了大量拍摄之前制作众多的道具以及传统的后期制作的诸多烦恼，即节省了大笔的拍摄费用，实现了过去难以用摄影技法完成的甚至难以想象的设计创意，极大地增强了广告的表现力和艺术感染力。它可直接在电脑上形成多种设计方案，经审定后作进一步的修改和调整，甚至可以反复修改，完成多套设计方案。它能使设计者与客户之间的交流变得更为便捷。
3、易于复制和保存
CG技术的另一优势便是“复制性强”，设计师可以将稿件精确地复制，并且可将设计好的文件保存为模板，对那些内容相关的设计直接在模板上更改即可完成精美的再创作，可大大地节约时间，这也是传统设计所欠缺的。
4、图库、模板的使用极大地提高设计效率
在经济高速发展的时代，设计的效率就意味着生存，特别是在一些竞标活动中，尽快地完成设计任务成为最关键的问题。。传统的设计方式只能冲头开始做，而是用CG进行设计就可大大节省时间。利用软件的图库功能，把一些标准性的符号化整为零，快速完成;或者使用模板功能，对已有的设计模式加以修改，从而快速完成设计任务，极大地提高了设计效率。
三、CG技术带来的影响
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